Сообщение доставлено и прочитано

Наталья Жемгулене о Межнациональном театральном фестивале «Сообщение» (г. Кудымкар)

Коми-Пермяцкий национальный драматический театр в седьмой раз собрал под своей крышей театры со всей страны под эгидой VII Межнационального театрального фестиваля «Сообщение». Состав участников фестиваля уже традиционно помогает формировать его программный директор Татьяна Тихоновец. В 2025 году было представлено 8 постановок из Ханты-Мансийска, Йошкар-Олы, Кудымкара, Лысьвы, Петрозаводска, Сарапула, Альметьевска и Еревана.

Спектакль первого дня подтвердил статус фестиваля, который вот уже семь лет своего существования призывает по-новому взглянуть на национальные театры.

«Родной земли напевы. Генезис» Театра обско-угорских народов – Солнце объединил привычный, во многом традиционный национальный театр и разнообразные пути взаимодействия современной режиссуры с этой самой традицией. Виктор Евдокимов, выпускник факультета театра кукол РГИСИ, третий сезон работает в Ханты-Мансийске и по-хорошему заражает театр обско-угорских народов бациллой неуспокоенности и дерзости. Спектакль совместил сакральную для хантов тему родовой песни и ироничные приемы театра предмета, что вкупе дало своеобразный эффект перехода, точнее, нахождения сознания зрителя в коридоре мировоззрений.

С одной стороны – мифические основы о сотворении мира из глубин океана, с другой – современные попытки найти ответ на главную загадку человечества. При этом театр вполне ловко и остроумно взаимодействует с легендами и мифами, позволяя молодому зрителю (а именно ему, в первую очередь, и адресован спектакль) не увязнуть в противоречиях, благодаря введению в действие ученых-творцов. Они непосредственно на сцене проводят свои опыты по созданию тверди из воды и отправляют ту самую птицу гагару трижды вытаскивать землю со дна океана. И всё это под взглядом камеры, которая в прямом эфире транслирует их действия на экран. Периодически «живое» трехмерное взаимодействие с предметом переводится в плоскость, ускоряя течение времени и обобщая события.

Но не только с мифом работает театр: еще одна, а может быть, основная мысль рождается из совмещения традиционной культуры хантов с ультрасовременными технологиями из сферы искусственного интеллекта. Вера Кондратьева, исполнительница главной роли, известный в финно-угорском мире человек, подвижник и популяризатор хантыйской культуры олицетворяет в своем образе тот самый мир глубинного сакрального знания, которое долгие годы передается из уст в уста. Так же из поколения в поколение передается и родовая песня, которая несет в себе память обо всех предках человека. Именно песня рода Кондратьевых и стала главным мотивом к рождению самого спектакля. Голос актрисы, костюм, пластика входят в неминуемый резонанс с миром технологий, которые сопровождают каждое ее действие: на экране из куска глины рождается земля, на которой постепенно зарождается жизнь, а потом и человечество, с его страстями, проблемами и стремлением к самоуничтожению, а голос продолжает звучать. Авторы спектакля транслируют, казалось бы, простую мысль, что пока жива родовая память, жив человек, даже если его внешний мир будет заполнен красивыми картинками от искусственного разума.

В русле прямого взаимодействия национальной культуры и театра «классической русской школы» существует спектакль Сарапульского драматического театра «Русалка» в постановке Анны-Ксении Вишневской. Нельзя не отметить, что театр не национальный, и это важный момент – в национальных республиках обращение русского театра к местному наследию явление нечастое. Точно воссозданные удмуртские костюмы и головные уборы, аутентичное живое звучание народных инструментов и песен создают яркую основу для пушкинского текста. Не всегда поэтическое и этническое начала этого спектакля органично сплетаются – сюжет о трагедии дочери мельника, существует отдельно от яркой и чрезвычайно интересной жизни, связанной с обрядовостью и традиционной культурой. Не случайно самими запоминающимися становятся эпизоды, целиком погруженные по отдельности в ту и иную эстетические структуры. Так произошло, например, в сцене ворожбы молодой княгини и мамушки, когда и костюм, и голосоведение, и реальные слова заговора работают на максимальное сближение смысловой и визуальной составляющей, но будто бы в обход основного текста.

В спектакле с первых минут заявлены несколько направлений, одно из которых связано с условным вербатимом, – сказочные легенды о русалках рассказаны актрисами как их собственные истории. Максимально проникновенно и страшно звучат эти тексты, но в дальнейшем личностная тема растворяется в общем течении, и остается на уровне яркого зачина. К экспериментам национальных театров на фестивале, можно сказать, уже привыкли, но пример Сарапульского театра показал, что возможно и встречное движение, новый и свежий взгляд на традиционную культуру.

Эксперименты присущи не только театрам-участникам, но и самому фестивалю – приглашение молодого коллектива «Метро» из Республики Армения стало новым словом в программе. Пластическо-поэтический спектакль на основе новелл клоуна Леонида Енгибарова в постановке Соны Мартиросян будто бы был создан, чтобы соединять людей и стирать границы. Тонкое сочетание слова, жеста и музыки перекликалось с миром, который когда-то создавал невидимый герой спектакля. Образ Енгибарова разлит по всему сценическому тексту, отражаясь последовательно то в одном, то в другом персонаже, которые акварельными движениями вторят его знаменитым репризам. Спектакль шел на армянском языке, но был понятен без слов, настолько проникновенно и профессионально существовали в нем молодые артисты.

«Сообщение» формируется по нескольким направлениям и отражает национальные театры в моменте, и не случайно этот самый «момент» обусловлен именами режиссеров: Юлия Беляева, Айдар Заббаров, Андрей Шляпин, Степан Пектеев – вот уже несколько лет их имена на афишах знаковых спектаклей национальных (и не только) театров.

Юлия Беляева, более пяти лет возглавлявшая Коми-Пермяцкий национальный театр, в последней своей работе в роли главного режиссера – спектакль «Живи и помни» – отразила боль современного общества, его вины и одновременно невиновности. Сложнейший текст Распутина с его невероятной поэтикой раскладывается на ткани спектакля как причудливая выкройка, где каждому герою выделена своя часть, которая узловыми точками соприкасается с остальными.

Андрей неминуемо становится главной фигурой этого человеческого многосплетения. Никогда не найти ему покоя и прощения, пусть даже в первооснове всего не он, а она – та самая проклятая и ненавистная война. Все попытки вернуть его к миру, в первую очередь, миру душевному, обречены изначально. Дуэт Ярославы Ульяновой (Настёна) и Андрея Майбурова, поддержанный включением сверхсюжетных Плакальщиц, – эмоциональный и нравственный камертон спектакля в целом. Юная, абсолютно иная Настена, чей облик противопоставлен всему этому миру на берегу Ангары, мечется в попытках сохранить то хрупкое чувство, в которое она искренне верит. И насколько жестко и жестоко эту хрупкость ломает самый близкий человек – вот тогда-то и появляются плакальщицы, чтобы до самого конца оплакивать ее, одновременно преследуя и мучая его.

И этот тонкий мир ярко контрастирует с вещественным воплощением: деревянные фактуры, массивные детали декорационного оформления, металлически-ледяная наклонная плоскость реки – художница Любовь Мелехина укрупняет, делает нарочитым и грубым «деревенский» мир, и в то же время детально и досконально прорабатывает мир личностный в костюмах. Подобный ход – от крупных планов до общих – абсолютно коррелируется и с режиссурой, и с актерским существованием, не случайно по мысли авторов спектакля предполагалось присутствие видеопроекции на деревянных экранах по обе стороны арьерсцены.

Второй фестивальной работой Юлии Беляевой и Любови Мелехиной, а также Максима Пахомова – хореографа обеих постановок, стал спектакль Национального театра Карелии «Семь сов» по пьесе Владимира Геллера. Малая, скорее даже камерная, форма была адаптирована театром под большую сцену Коми-Пермяцкого театра, благодаря чему спектакль получил новое звучание. Сюжет о семействе «сов», которое предал на изгнание их давний сосед и компаньон, служит аллюзией на многие исторические события, что позволяет ему быть актуальным во все времена. Введение в текст спектакля лица от театра – Конферансье напрямую отсылает к эстетике и патетике Брехта, равно как и зонги, исполняемые всеми персонажами. На контрасте существует ансамбль сов, чей уютный чердак с их бытовыми мелочами и трепетным отношением друг к другу, казалось бы, защищает обитателей от всех невзгод. Классическая аристотелевская перипетия происходит с ними настолько исподволь, что для кого-то остается не очевидным факт случившейся трагедии, и финал наступает неожиданно.

В обоих спектаклях жюри отметили сценографическое решение Любови Мелехиной. Симультанность декорации и четкость фактуры используемых материалов масштабируют действие, переводя его во вневременную плоскость, а подробность в деталях позволяют увидеть каждого героя в приближении – также строятся и представленные на фестивале спектакли Юлии Беляевой в целом, где глобальные мотивы мировых катастроф звучат в мелодии каждого отдельного человека.

Впервые на фестивале был показан спектакль, который, казалось бы, напрямую не связан с направленностью «Сообщения», но имеет общую с ним ДНК. Речь о Лысвенском театре драмы со спектаклем «Космос» по рассказам Василия Шукшина. Именно шукшинская проза в постановке Андрея Шляпина послужила транскультурным мостом в мир национального театра, да и русская культура тоже самая что ни на есть национальная для любого региона.

Режиссер ведет повествование, не стремясь рассказать какую-то определенную историю, но будто настойчиво задает одну тему, которую можно определить как «мужской путь». В сцене пролога, где фразы перетекают от одного к другому и не принадлежат никому конкретно, тема космоса заявлена точно и четко – он внутри отдельно взятого человека, но зависит от общего сознания. Каждый последующий эпизод-рассказ раскрывает и поясняет режиссерскую мысль, что мужчина – существо тонкой душевной организации, несмотря на кажущуюся грубость, равнодушие и тягу к алкоголю. Через иронию, юмор, порой даже патетику настойчиво пробивается редкое для театра чувство нежности к этому самому простому мужику, который в случае чего и с богом сможет поговорить.

Актерский ансамбль «Космоса», слаженный и единый в своем существовании, подчеркнутый даже форматом программки, не отменил присутствия в спектакле ярких индивидуальных работ. Так на высочайшем уровне создана роль Ваганова в исполнении Александра Мехрякова. Артист моментального переключения и смены регистров, он вел непрерывную линию своего персонажа в самом острохарактерном эпизоде спектакля, где режиссер несколько раз подключал различные способы игры от открытой театральности до психологического проживания. Это был своеобразный спектакль в спектакле.

В контексте мужских ролей ведущую позицию на фестивале по праву занял спектакль «Конокрад» Альметьевского татарского государственного драматического театра в постановке Айдара Заббарова. Документальная история, изложенная современным классиком татарской драматургии Туфаном Миннуллиным, основана на многотомном уголовном расследовании времен гражданской войны и революции 1917 года в России. Режиссер не пошел по пути подробного рассказа о жизни легендарного конокрада Сибгата, а создал псевдоэпическое полотно, где исторический молох неминуемо влияет на жизни персонажей, но не он определяет их судьбу – каждый сам был волен решить, каким законам следовать.

Актерская энергия альметьевской труппы не нуждается в дополнительных режиссерских «подпорках», скорее наоборот, Заббаров предложил им несколько вариантов остранения, чтобы не пустить спектакль по рельсам полного погружения. В повествовании появляются своеобразные новины, некогда популярные в различных регионах России в 1910-20 годах, героями которых становились реальные персонажи, но в сказочном обрамлении, – в частности, так решен эпизод о свадьбе коней. Нельзя не отметить работу хормейстера театра Марата Яхъяева в решении хоровых партий, которые органично вплетены в ткань спектакля и служат дополнительной характеристикой героев.

Лучшим спектаклем VII фестиваля «Сообщение» был признан «Дядя Ваня» Марийского национального театра драмы им. Шкетана в постановке Степана Пектеева. Сложная, многоуровневая постановка на марийском языке будто охарактеризовала собой суть самого фестиваля. Да, перевод русской классики на национальные языки изначально лежал в основах формирования различных республиканских театров СССР и продолжает там лежать, а спектакли при этом сохраняют свою традиционную структуру. Но Степан Пектеев уже во втором спектакле последних лет выбирает принципиально иной путь, деструктурализируя тексты, пересобирая их и сочиняя заново (первым был «Гамлет. Машина. Цемент»). Он предлагает и артистам новые способы взаимодействия с хрестоматийными сюжетами.

В «Ване чӱчӱ» от «Дяди Вани» остались лишь те фразы, которые сохранила память героев, помещенных то ли в очистительный буддистский лимб, то ли в параллельное пространство драматургии абсурда, столь близкой чеховской эстетике. Всё, что им остается, это вспоминать минувшее, изредка позволяя себе проживать отдельные эпизоды из своей казавшейся когда-то важной жизни. На фоне этой потусторонней мистификации ярким эмоциональным взрывом существует Войницкий в исполнении Алексея Сандакова. Он сейчас и навсегда остается в тотальном обнажении чувств – режиссером предложен сложнейший способ существования на одной высокой ноте, которую необходимо держать от начала до конца.

Всё сценографическое пространство решено как закрытый цементный тоннель, вход в который контролируется то ли высшими силами, то ли еще кем-то, но выход из него возможен только в одну сторону (правда, Серебряков вышел и вернулся, но это одна из загадок спектакля). В итоге все, конечно же, уйдут в дымный свет, чтобы с большой долей вероятности, оказаться в новом круге.

Ежегодный срез, который дает фестиваль «Сообщение», снова показал, что национальные театры находятся в постоянном движении и поиске как актуального для себя драматургического материала, так и в переосмыслении собственного достаточно долгого пути, ведь почти каждый национальный театр России существует уже более 80 лет.

Постскриптум: Впервые на фестивале «Сообщения» два спектакля были показаны в видеоформате – «Р+Д (Ромео и Джульетта)» Национального театра Карелии режиссура Максима Соколова и «Лютый» Альметьевского татарского театра режиссера Алибека Омирбекулы. Обе постановки по техническим причинам не могли быть представлены в основной программе, но заслуживают самого пристального внимания и осмысления. Видео способно показать общее режиссерское и даже сценографическое решение спектакля, но не дарит той энергии, обмен которой возможен лишь в зрительном зале. Что-то подсказывает, что очное присутствие этих работ изменило бы расклад всего фестиваля.

Автор статьи: Наталья Жемгулене (Петрозаводск) — руководитель литературно-драматургической части Национального театра Карелии. Публиковалась в «Российской газете» и других изданиях. Участник различных проектов СТД РФ и как представитель театра, и как действующий театровед (проект «Резиденция театральной критики: Обратная связь» и другие).